sábado, 11 de diciembre de 2010

Proyectarte Cineclub última proyección "CINEMA PARADISO"

sábado, 11 de diciembre de 2010 0

viernes, 10 de diciembre de 2010

Proyectarte Cineclub presenta "CINEMA PARADISO"

viernes, 10 de diciembre de 2010 0
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Martes 14 de diciembre
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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Cinema Paradiso es una película italiana dirigida en 1988 por Giuseppe Tornatore.
Protagonizada por Philippe Noiret, Salvatore Cascio, Marco Leonardi, Antonella Attili y Jacques Perrin.
Esta película ganó el Óscar a la mejor película en lengua no inglesa de 1989 y el Globo de Oro en la misma categoría. También ganó el premio especial del jurado del Festival de Cine de Cannes del mismo año. Recibió el premio Bafta a la mejor película extranjera y Philippe Noiret ganó los premios Bafta y European Film Award al mejor actor.

ARGUMENTO
Cinema Paradiso es una historia de amor por el cine. La película narra la historia de un niño de un pequeño pueblecito italiano en el que el único pasatiempo es disfrutar de las películas del cine Paradiso. Encantado por las oscilantes imágenes, Salvatore deseaba con todas sus fuerzas que el cine fuese en realidad magia. Un día, Alfredo, el operador de cine, accede a enseñar al pequeño los misterios que se ocultan en una película. Todos los niños de la pequeña villa van creciendo, sin perder nunca su amor por el cine, pero llega el momento en el que Salvatore debe dejar el pueblo y comenzar a buscar sus sueños. Y así ocurre durante treinta años hasta que un día un mensaje le comunica que debe volver a casa donde un secreto le espera.

Es un homenaje al séptimo arte, a sus actores, actrices y directores. También es la vida de Italia en la segunda mitad del siglo XX, mostrándonos unos personajes prototipos del pueblo italiano y la historia de los protagonistas, que establecen de forma simbólica una relación padre-hijo, que suple sus propias carencias afectivas.
Todo está engarzado y adicionado con una cuidada fotografía y con música creada ex profeso por un grande de la musicalización de películas, Ennio Morricone.

Cinema Paradiso son muchas películas en una y ofrece una veta pedagógica rescatable para maestros y padres: presenta una amplia gama de emociones, sucesos y temas como la censura, el progreso, la emigración, la relación entre la fantasía y la realidad, etcétera, todos ellos tópicos interesantes para comentar y reflexionar con niños y jóvenes.

miércoles, 1 de diciembre de 2010

Proyectarte Cineclub presenta "IT'S A WONDERFUL LIFE" (¡Qué bello es vivir!)

miércoles, 1 de diciembre de 2010 0
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Martes 07 de diciembre
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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¡Qué bello es vivir! (It's a Wonderful Life) es una película estadounidense de 1946. Se trata de un clásico del cine norteamericano, y es la película que más se ha emitido en las televisiones de todo el mundo durante las fechas navideñas.
El director de origen italiano Frank Capra lleva la batuta de este mas que maravilloso film, una historia tejida alrededor del personaje brillantemente interpretado por el formidable James Stewart, quien aquí desplegó su lado mas sensible y encantador en la gran pantalla.

ARGUMENTO
George Bailey, un hombre honrado que siempre se ha sacrificado por los demás, mantiene a duras penas una empresa de empréstitos con la que evita los desmanes del millonario Potter. Con la empresa al borde de la quiebra, Bailey piensa incluso en suicidarse, pero Clarance, un ángel venido a menos y que debe hacer méritos para recuperar sus alas, es enviado a la Tierra con la misión de evitar dicho suicidio. Con la llegada de Clarence la vida de Bailey y de quienes le rodean tomará un rumbo distinto.

Mezclando el drama, la comedia y la fantasía, "Que bello es vivir" aborda el asunto del heroísmo de la gente anónima, esa gente que lucha día a día por mantener a sus familias y procurar un bienestar a la gente que les rodea, despreocupados del propio egoísmo material.
La sensibilidad inherente a la narración del maestro Capra, la sana bonhomía desprendida y la pujanza de las interpretaciones, encabezadas por un genial James Stewart y por la entrañable aparición de Henry Travers en el papel de un simpático ángel sin alas que conseguirá que el protagonista principal replantee sus actitudes y valores ante la vida, son algunos de los principales valores de este rotundo clásico, que debería ser considerada de visión obligatoria para todo tipo de personas con tendencias suicidas, y que ellos mismos apreciaran lo importante que puede resultar su existencia, a pesar de los muchos sinsabores que su transcurrir puede depararnos.

jueves, 25 de noviembre de 2010

Proyectarte Cineclub presenta "CITIZEN KANE" (Ciudadano Kane)

jueves, 25 de noviembre de 2010 0
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Martes 30 de noviembre
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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Ciudadano Kane es una película dirigida, escrita, producida y protagonizada por el estadounidense Orson Welles, considerada como una de las obras maestras de la historia del cine.
La película ganó un Oscar al mejor guión original y estuvo entre las candidatas en otras ocho categorías: película, director, actor principal (Orson Welles), dirección artística, fotografía, música, sonido y montaje. Paradójicamente, ese único oscar —que también sería el único conseguido por Welles en toda su carrera, a excepción del honorífico de 1970— fue otorgado en una categoría, el guión, de su autoría en conjunto con Mankievickz.

ARGUMENTO
El magnate de la prensa Charles Foster Kane (Orson Welles) fallece, acompañado solamente por sirvientes, en su gran mansión pronunciando una única palabra: «Rosebud». Con la intención de averiguar su significado, un periodista comienza una investigación con las personas que vivieron y trabajaron con Kane. Las entrevistas se suceden y con cada persona afloran vivencias y recuerdos que ayudan a modelar la compleja imagen del fallecido millonario, pero que no aportan datos sobre la misteriosa palabra. Sólo el espectador conocerá su origen y significado que engloba temas como el anhelo de las cosas perdidas y los valores realmente importantes.

El filme marca un hito en la historia del cine. Técnicamente no inventó nada, pero sí usó todos los recursos existentes hasta ese entonces de manera magistral: uso de la profundidad de campo, seguramente influido por el realismo poético de franceses como Jean Renoir, fotografía en claroscuro y juegos de iluminación, herencia del expresionismo alemán de principios del siglo, escenografías techadas nada comunes para la época y notable uso de los movimientos de cámara y uso de grúas, como dollys y travellings. Pero también añadió algo absolutamente nuevo: la mirada personal del autor, el director como un narrador omnisciente que quiere contar la historia a su manera, valiéndose para ello de herramientas como el picado y el contrapicado. De esta forma, por ejemplo, es capaz de mostrar a Charles Foster Kane, inspirado en el magnate de las comunicaciones William Randolph Hearst, como un hombre lleno de poder. También desarmó la cronología de la mayoría de las historias que eran proyectadas en la pantalla grande, empezando la narración desde el final.

miércoles, 17 de noviembre de 2010

Proyectarte Cineclub presenta "ONE FLEW OVER THE CUCKOO'S NEST" (Atrapado sin salida)

miércoles, 17 de noviembre de 2010 0
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Martes 23 de noviembre
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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Atrapado sin salida es una película estadounidense de 1975 basada en la novela homónima de Ken Kesey. Dirigida por Miloš Forman. Protagonizada por Jack Nicholson, Louise Fletcher, Danny DeVito, Christopher Lloyd, Brad Dourif y Will Sampson en los papeles principales.
Ganadora de 5 premios de la Academia y numerosos reconocimientos internacionales.

ARGUMENTO
Randle Patrick McMurphy (Jack Nicholson) ha cometido un delito por el que debería ir a prisión. Consigue a cambio que le envíen a un centro psiquiátrico. Allí se hace pasar por enfermo mental y logra que le ingresen en un departamento de cuidados especiales. Tratando de pasar el rato de la forma más agradable posible, organiza con sus compañeros, juegos y toda clase de diversiones, hasta el extremo de que infringe las normas de disciplina, las que la enfermera jefe Mildred Ratched (Louise Fletcher) no está dispuesta a tolerar. Comienza entonces una lucha de voluntades entre McMurphy y Ratched que terminará en tragedia.

No es nada fácil que la Academia de Hollywood otorgue cinco Oscar a la misma película ni menos en los rubros principales. Cuando Atrapado sin Salida los ganó, habían pasado más de 30 años desde que un film era merecedor de semejante galardón. Es que este apasionante film de Milos Forman tiene sobrados méritos para adjudicarse cuatro premios otorgados por el mundo cinematográfico. Atrapado sin Salida, un filme duro, atrapante, movilizador. Una mirada que conmueve sobre la vapuleada condición del hombre actual.

miércoles, 10 de noviembre de 2010

Proyectarte Cineclub presenta "SINGIN' IN THE RAIN" (Cantando bajo la lluvia)

miércoles, 10 de noviembre de 2010 0
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Martes 16 de noviembre
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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El musical “Cantando bajo la lluvia” o “Singing in the rain” es considerado uno de los musicales míticos de Hollywood. Y su inspiración de melodías está basada en la creación del estilo de melodías que se fueron realizando durante los años 30 y 40. Llevándolas a lo que tal vez fue su punto culmine. Ya que los años 50, fueron para el género del musical, “los dorados años 50“. Contando con la magia de la pantalla color, el sonido y si de talentos se trata, no hay duda de que dicha época fue un germinador.
Sus directores fueron Stanley Donen Y Gene Kelly. Este no fue su único proyecto juntos y por esta época, Kelly, ya se había ganado con su anterior film “Un americano en París” (1951), que la MGM (Metro Goldwyn Mayer) le diera libertad de creación a la hora de plasmar sus ideas. Una película que sin duda para todos los protagonistas tanto Kelly, como Donald O’Connor y Debbie Reynolds, entre gran elenco; marcó un antes y un después en sus carreras. Tal vez ni sus creadores imaginaban su vigencia a lo largo de la historia.
Cantando bajo la lluvia se estrenó en el mes de abril del año 1952, y fue la más taquillera del año.

ARGUMENTO
Antes de conocer a la aspirante a actriz Kathy Selden (Debbie Reynolds), el ídolo del cine mudo Don Lockwood (Gene Kelly) pensaba que lo tenía todo; fama, fortuna y éxito. Pero, tras conocerla, se da cuenta de que ella es lo que realmente faltaba en su vida. Con el nacimiento del cine sonoro, Don quiere filmar los musicales con Kathy, pero entre ambos se interpone la reina del cine mudo Lina Lamont (Jean Hagen).

Singing in the Rain funciona en todos los sentidos. Es mucho más que un musical, el film es una gran comedia, una gran historia romántica y un gran homenaje a un cine que si entonces ya quedó desfasado, hoy en día solo aficionados intentamos rescatar del olvido, si estoy hablando del cine mudo. Todo el mundo la haya visto o no, tiene presente la escena de Don después de despedirse de Kathy y en un arrebato de optimismo dado al amor que siente por ella se pone a cantar bajo la lluvia... Y todas esas magníficas coreografías, míticas las de Moses supposes his toeses are roses, los duos románticos que no abundan consiguiendo así un romance simpático y nunca demasiado empalagoso, las piernas de Cyd Charisse, las canciones unidas a las coreografías ideadas por el propio Gene Kelly consiguen convertirse en parte en un bloque unido y conglomerado, lejos de ser simples números desgajados sin vínculo de unión, como la mayoría de musicales actuales.

Como conclusión uno de los mejores musicales que demuestra que no se necesita una historia muy complicada para sacar un gran musical lleno de magia, una magia que hoy en día se ha perdido y se ha sustituido por el afán a ganar dinero.

miércoles, 3 de noviembre de 2010

Proyectarte Cineclub presenta "12 ANGRY MEN" (12 hombres en pugna)

miércoles, 3 de noviembre de 2010 0
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Martes 09 de noviembre
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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12 Angry Men es una película estadounidense de 1957, dirigida por Sidney Lumet. Protagonizada por Henry Fonda, Martin Balsam, John Fiedler, Lee J. Cobb, E. G. Marshall, Jack Klugman, Edward Binns, Jack Warden, Joseph Sweeney, Ed Begley, George Voskovec, Robert Webber. Basada en la obra homónima escrita por Reginald Rose.
Nominada a 3 premios de la Academia y ganadora de varios premios cinematográficos internacionales.

ARGUMENTO
La película trata sobre un juicio de un homicidio en el que 12 hombres tienen que deliberar sobre el futuro de un muchacho, dictaminando si es culpable o inocente (en la versión original, no culpable) del asesinato de su padre. Las pruebas apuntan a que es culpable, por ello 11 de los 12 miembros del jurado opinan que es culpable, pero el miembro número 8 (Henry Fonda) tiene en cuenta diferentes argumentos que se han citado en el juicio, y hace que surja la duda sobre la culpabilidad del muchacho.

En la película se observan diferentes tipos de comportamientos y roles que va desempeñando cada miembro del jurado mostrando así características de su personalidad y cómo influye su vida a la hora de dictaminar la culpabilidad del acusado.

El director mostró en esta cinta sus mayores fortalezas: ojo agudo para el conflicto social y una narración clara que deja espacio para los actores. El elenco es de primer nivel y, aunque algunas ideas hoy suenen bastante ingenuas, el drama permanece impecable.

domingo, 31 de octubre de 2010

Proyectarte Cineclub presenta "THE STING" (El golpe)

domingo, 31 de octubre de 2010 0
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Martes 02 de noviembre
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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El golpe (título original The Sting) es una película de cine dirigida por George Roy Hill en 1973. La película reunió de nuevo a Paul Newman y Robert Redford después de haber protagonizado conjuntamente Dos hombres y un destino. La película ganó siete premios de la Academia. Entre ellos el Oscar a la Mejor Película, y obtuvo otras tres nominaciones.

ARGUMENTO
Tres estafadores de poca monta roban una gran cantidad de dinero a un correo de un importante jefe mafioso. Uno de ellos es asesinado por los secuaces del más poderoso gánster de la ciudad: Doyle Lonnegan (Robert Shaw) que pretendía vengarse por el robo de dinero. Después del revuelo del asesinato, Johnny Hooker (Redford) decide cambiar de ciudad. Allí, junto con una leyenda entre los estafadores, Henry Gondorff (Newman), y otros muchos estafadores preparan el golpe que vengará al compañero muerto. La película comienza con una peculiar partida de cartas.

El film no pierde ritmo en ningún momento y gracias al fabuloso y sorprendente guión, acompañado de un toque de humor y una notable ambientación, la historia resulta muy, pero que muy entretenida. Y la química entre los dos actores es inmejorable. Para la posteridad han quedado las saltarinas notas del piano de Scott Joplin, mítica estrella del estilo Ragtime.

miércoles, 27 de octubre de 2010

Proyectarte Cineclub Ciclo "AND THE OSCAR GOES TO... "

miércoles, 27 de octubre de 2010 0

jueves, 21 de octubre de 2010

Proyectarte Cineclub presenta "THE GREAT DICTATOR" (El gran dictador)

jueves, 21 de octubre de 2010 0
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Martes 26 de octubre
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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El gran dictador es una película de cine estadounidense escrita y dirigida por Charles Chaplin en 1940.

ARGUMENTO
Un barbero judío que combatió con el ejército de Tomania en la primera guerra mundial vuelve a su casa años después del fin del conflicto. Amnèsico a causa de un accidente de avión, no recuerda prácticamente nada de su vida pasada y no conoce la situación política actual del país: Adenoid Hynkel, un dictador fascista y racista, ha llegado al poder y ha iniciado la persecución del pueblo judío, a quien considera responsable de la situación de crisis que vive el país. Paralelamente, Hynkel y sus colaboradores han empezado a preparar una ofensiva militar destinada a la conquista de todo el mundo.

El gran dictador es una sátira del fascismo, y en particular de Adolf Hitler y su Nacionalsocialismo. Chaplin realiza en su segundo largometraje sonoro una sátira agria de Hitler. La Segunda Guerra Mundial comienza el 1 de septiembre de 1939 y el rodaje comienza el 9 de septiembre de 1939 en un gran hermetismo por las presiones que estaba recibiendo para no filmarla de la embajada alemana y de su productora United Artist, que había recibido amenazas de boicot. La política estadounidense era neutral en ese entonces y se "desalentaban" producciones antihitlerianas. Pese a esto y a que las críticas de la prensa fueron negativas en particular con su discurso final, fue la película que más recaudó de las que realizó. Por esta película y por sus ideas sería perseguido por el Comité de Actividades Antiestadounidenses, teniendo luego que exiliarse de EEUU (ver artículo principal en Chaplin).

Chaplin interpreta en la película a dos personajes. Esta cinta fue el primer filme sonoro, con diálogos, de Chaplin. La película no se estrenaría en Alemania hasta 1958, aunque esta era una de las películas predilectas que tenía Hitler en su cine particular, y obtuvo sus mayores éxitos después de 1945.
Al conocer años después el horror de los campos de exterminio, Chaplin afirmó que no hubiera realizado la película de saberlo, aunque muestra gran intuición sobre el tema al realizarla, con una fuerte carga de moralidad y llena de parodias y críticas hacia un sistema político tan fuerte como era el nacionalsocialismo. Chaplin al final de la película sorprende con un manifiesto tremendamente emotivo donde expone el horror de la guerra y lo terrible que es para las personas estar sometidas bajo la figura de un dictador.

miércoles, 13 de octubre de 2010

Proyectarte Cineclub presenta "MODERN TIMES" (Tiempos modernos)

miércoles, 13 de octubre de 2010 0
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Martes 19 de octubre
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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Tiempos modernos es un largometraje de 1936 dirigido, escrito y protagonizado por el célebre actor Charles Chaplin. La película constituye un retrato de las condiciones desesperadas de empleo que la clase obrera tuvo que soportar en la época de la Gran depresión, condiciones promovidas, en la visión dada por la película, por la eficiencia de la industrialización y la producción en cadena. En la película también intervienen Paulette Goddard, Henry Bergman, Stanley Sandford y Chester Conklin. La película muestra escenas de corte futurista de la factoría en la que trabaja Charlot que podrían haber sido influenciadas por el film Metrópolis de Fritz Lang.

ARGUMENTO
Un obrero de la industria del acero acaba perdiendo la razón, extenuado por el frenético ritmo de la cadena de montaje de su trabajo. Después de pasar un tiempo en el hospital recuperándose, al salir es encarcelado por participar en una manifestación, en la que se encontraba por casualidad. En la cárcel, también sin pretenderlo, ayuda a controlar un motín por lo que gana su libertad. Una vez fuera de la cárcel reemprende la lucha por la supervivencia, lucha que compartirá con una joven huérfana que conoce en la calle.

Tiempos modernos fue un filme a caballo entre el cine mudo y sonoro. Se incluyeron algunos efectos sonoros en la película, como música, cantantes y voces provenientes de radios y altavoces así como la sonorización de la actividad de las máquinas. Al final del film puede escucharse brevemente la voz de Charles Chaplin, que canta una versión de la canción de Léo Daniderff, Je cherche après Titine, pero con una letra sin sentido, conocida como "Charabia", cuyos sonidos tratan de asemejarse a una mezcla de francés e italiano, con alguna palabra reconocible en inglés.

Considerado como un ejemplo de filme de crítica social, el mismo Chaplin negó la relevancia que muchos han querido darle a su trabajo en este largometraje.

miércoles, 6 de octubre de 2010

Proyectarte Cineclub presenta "CITY LIGHTS" (Luces de la ciudad)

miércoles, 6 de octubre de 2010 0
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Martes 12 de octubre
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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Luces de la ciudad (City Lights) es una película escrita, dirigida e interpretada en 1931 por Charlie Chaplin.

ARGUMENTO
Una florista ciega toma por un hombre solvente al vagabundo que suele interpretar Charles Chaplin. Éste, tiernamente enamorado, intenta conseguir a toda costa el dinero necesario para una operación que puede devolverle la vista. Para ello se presentará voluntario a un combate de boxeo, que ofrece como premio una sustanciosa cantidad de dinero.

"Comedia romántica en pantomima". Así definen sus títulos de crédito esta obra maestra del cine mudo. Estrenada en 1931, cuando el cine sonoro se había impuesto comercialmente, lo cierto es que Charles Chaplin empezó el rodaje en 1928, antes del estreno de El cantor de jazz, el primer film hablado. La producción se retrasó principalmente por las consecuencias económicas del crack del 29, pero también porque Chaplin no estaba seguro de que la actriz principal, la desconocida Virginia Cherrill, fuera la más indicada para interpretar a la florista. Descontento por la forma en que ofrecía las flores, tras repetir la toma centenares de veces, la despidió y la sustituyó por otra intérprete. Finalmente volvió a contratarla, a pesar de que la actriz aprovechó la coyuntura para pedir más dinero.

Además, Chaplin tardó en resolver el problema principal que planteaba la trama: ¿cómo podría entender el público de modo sencillo que la florista confundiera al vagabundo con un hombre rico sin utilizar diálogos? La solución es un claro síntoma del ilimitado ingenio del cineasta: el sonido de un coche al cerrarse. Cuando lo escucha, la invidente distingue a sus posibles clientes, pues sólo los que se pueden permitir pequeños lujos tenían coche en aquella época. Por un cúmulo de casualidades, la primera vez que se conocen, Chaplin sale de un vehículo.

Al igual que en otros de los grandes trabajos de Chaplin, la grandeza de este título reside en el sello personal del director: su inigualable mezcla entre drama y comedia. La historia de amor resulta especialmente emotiva y describe a las clases desfavorecidas de la época. Al mismo tiempo, algunas subtramas son hilarantes; especialmente los encuentros del vagabundo con un millonario borracho, que le toma como su mejor amigo e incluso se lo lleva a pernoctar a su mansion, pero que cuando se le pasan los efectos del alcohol no se acuerda de él. Para guardar el delicado equilibrio entre risas y lágrimas, Chaplin tuvo que renunciar a siete minutos iniciales de comedia desatada absolutamente geniales, pero que dificultaban enormemente que después el público pudiera conmoverse.

Curiosamente, la banda sonora, compuesta como es habitual por el propio Chaplin, calca por completo los famosos acordes de "La violetera", de los maestros Padilla y Montesinos. El cineasta tuvo que pagar a los autores españoles una gran cantidad de dinero tras un juicio por plagio.


sábado, 2 de octubre de 2010

Proyectarte Cineclub presenta "THE KID"

sábado, 2 de octubre de 2010 0
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Martes 05 de octubre
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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The Kid es una película muda de Charlie Chaplin estrenada en 1921. Se destacó un pequeño Jackie Coogan como co-protagonista y estrella infantil. Es una de las pocas películas del cine mudo que han mantenido su popularidad hasta nuestros días.

ARGUMENTO
Una joven señorita, Edna (interpretada por Edna Purviance), acaba de dar a luz a un hijo no deseado. Con el dolor de su alma, decide dejar a su bebé dentro del elegante automóvil de cierta familia adinerada, junto a una nota en que brevemente pedía que se hicieran cargo de su hijo. Pero unos delincuentes que se roban el auto, dejan al bebé abandonado en la esquina de un barrio marginal. Es allí donde lo encuentra un alegre, despreocupado e inocente vagabundo (interpretado por Charlie Chaplin), quien si bien en varias ocasiones intenta deshacerse de semejante responsabilidad, se compadece de él y decide adoptarlo y asumir su crianza. El bebé crece y se convierte en "The kid", un muchacho de seis años interpretado por Jackie Coogan. Junto a su padre adoptivo sobreviven en base a divertidas pillerías, viviendo pobremente en un suburbio pero a la vez tranquilos y felices.
Edna, quien se ha convertido en una famosa y adinerada actriz, intenta mitigar en parte el constante dolor de haber perdido a un hijo, y suele descender a los suburbios a repartir juguetes entre los niños pobres; entre ellos está el Chico. Cuando Edna ve la nota que Chaplin había guardado por tanto tiempo como único antecedente de los orígenes del Chico, se da cuenta que se trataba del mismo hijo que había perdido. Finalmente Edna y el Chico se reencuentran como madre e hijo, y Chaplin es invitado a vivir con ellos en su lujosa casa; curiosamente, la misma casa en que años antes había dejado a su hijo dentro del automóvil.

Chaplin se inspiró en la crudeza de su infancia y en la reciente muerte de su bebé, quien había nacido prematuro, para el rodaje de "The Kid". Fue una película excepcional, en la que plasmó mucho de si mismo. Se incluyeron muchos efectos especiales novedosos para la época. Otro dato interesante, pero a la vez desilusionante, es el alcoholismo de Edna Purviance. Solía llegar tan ebria a las grabaciones, que en muchas oportunidades, Chaplin pensó en reemplazarla por otra actriz. Lita Grey, quien en la escena del sueño del vagabundo interpreta al "Angel de la tentación", fue posteriormente esposa de Chaplin (había quedado embarazada de éste con sólo 16 años de edad); pero se divorciaron al poco tiempo por problemas personales.

miércoles, 29 de septiembre de 2010

Proyectarte Cineclub Ciclo octubre: Charles Chaplin

miércoles, 29 de septiembre de 2010 0

miércoles, 22 de septiembre de 2010

Proyectarte Cineclub presenta "EL ANGEL EXTERMINADOR"

miércoles, 22 de septiembre de 2010 0
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Martes 28 de septiembre
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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El ángel exterminador es una película de Luis Buñuel producida en México por Gustavo Alatriste y protagonizada por Silvia Pinal (esposa del productor), Enrique Rambal y Claudio Brook, aunque se trata de una obra coral. Fue realizada tras el éxito internacional de Viridiana, también producida por Gustavo Alatriste e interpretada por Silvia Pinal. La película franco-española de 1972 "El discreto encanto de la burguesía" (Le charme discret de la bourgeoisie) aborda temas similares.

ARGUMENTO
Un grupo de burgueses de la ciudad de México son invitados a una cena en la mansión de los Nóbile después de asistir a la ópera. Mientras, los sirvientes y los cocineros sienten deseos de abandonar la mansión y se marchan. Al terminar la cena, los invitados se dan cuenta de que no pueden salir de la habitación por una razón que desconocen, aunque no hay aparentemente nada que lo impida. A medida que van pasando los días, el alimento y la bebida escasean, los personajes enferman y la basura se acumula. A partir de ese momento, las buenas costumbres y la cordialidad poco a poco se acaban perdiendo y los burgueses se comportan como auténticos salvajes.


A diferencia de Viridiana, el presupuesto con el que contaba Alatriste para financiar El ángel exterminador era muy limitado. "Lo ideal, desde luego, hubiera sido hacerla en Inglaterra, en un lugar donde verdaderamente existe un estilo de alta sociedad. Pero, en cambio, con Alatriste tuve toda la libertad del mundo."
La película presenta uno de los temas favoritos de Buñuel: el de las repeticiones. "Creo haber sido el primero en emplearlas en el cine. La entrada de los invitados en la lujosa mansión de los Nóbile y la subida por la escalera al piso superior la repetí dos veces consecutivas, sin otra variación que una toma en picado y otra en contrapicado. Cuando terminó de hacerse la copia, el fotógrafo Gabriel Figueroa vino a verme alarmado y me dijo «Oiga usted, la copia no está bien, una escena se repite.» Le dije: «Pero Gabriel, el montaje lo hago siempre yo mismo. Además usted filmaba conmigo y sabe que en la repetición usamos otro encuadre. Es una repetición voluntaria...» «Ah, ya veo», dijo, pero en verdad estaba asustado."
Además de la doble entrada de los invitados, en El ángel exterminador existen un gran número de situaciones duplicadas. "La repetición me atrae, tiene un efecto hipnótico. En la película hay como veinte repeticiones. Unas se notan menos que otras."
Acerca del enigmático título de la película Buñuel comenta: "Yo primero pensé que el título tenía una relación subterránea con el argumento, aunque no sabía cuál. A posteriori lo he interpretado así: los hombres cada vez se entienden menos entre sí. Pero ¿por qué no se entienden? ¿Por qué no salen de esta situación? En la película es lo mismo: ¿Por qué no llegan juntos a una solución para salir de su encierro?"

miércoles, 15 de septiembre de 2010

Proyectarte Cineclub presenta "VIRIDIANA"

miércoles, 15 de septiembre de 2010 0
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Martes 21 de septiembre
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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Viridiana es una película de 1961, es una película mexicana, dirigida por Luis Buñuel, protagonizada por Silvia Pinal, Francisco Rabal y Fernando Rey en los papeles principales.
La película recibió el máximo galardón del Festival de Cannes, la Palma de Oro, así como la ovación unánime de público y jurado.
Prohibida durante mucho tiempo en España, es una crítica a la caridad por la caridad misma, frente a la generación de trabajo, además de una sátira del idealismo cristiano. Sin embargo, el propio Luis Buñuel desmintió está interpretación:
[...] las imágenes se encadenaron en mi cabeza, unas tras otras, formando una historia. Pero nunca tuve la intención de escribir un argumento de tesis que demostrara, por ejemplo, que la caridad cristiana es inútil e ineficaz. Sólo los imbéciles tienen esas pretensiones.

ARGUMENTO
La novicia Viridiana (Silvia Pinal) —a punto de tomar los hábitos— debe abandonar el convento para visitar a su tío don Jaime (Fernando Rey), quien le ha pagado los estudios. Durante su visita, don Jaime —impresionado por el parecido entre Viridiana y su difunta esposa— la adormece e intenta poseerla, pero finalmente no se atreve. Posteriormente intenta retenerla cuando ella quiere volver al convento; le miente diciéndole que ya no podrá ordenarse monja, porque la ha poseído mientras dormía. Esto aleja aún más a Viridiana de su tío, que —tras la marcha de ésta— se suicida. Viridiana, que se siente culpable de la muerte de su tío, renuncia a ser monja y se queda en la mansión a practicar la caridad cristiana, acogiendo a un grupo de vagabundos, a quienes brinda refugio y alimento pero que son, a fin de cuentas, quienes la atacarán y robarán. La llegada de Jorge (Francisco Rabal), hijo natural de don Jaime, cambiará definitivamente el destino de la joven.

Como en toda película personal de Buñuel, el argumento es sólo un pretexto para mostrar ideas que van más allá. En este caso se cuestiona la naturaleza de la beneficencia y se muestra cómo las buenas intenciones no siempre se materializan en un éxito pleno. También se cuestiona el verdadero significado de la fe católica, y los contrastes entre el mundo 'real' y el mundo teórico cristiano.
La decisión de rodar Viridiana en España provocó que Buñuel, exiliado en México tras el fin de la Guerra Civil española, fuese duramente criticado por los republicanos españoles en el exilio.
Un artículo muy hostil publicado en el periódico oficial del Vaticano, L'Osservatore Romano, provocó su inmediata prohibición en España e Italia. El incidente reivindicó la figura de Buñuel ante sus críticos y convirtió a Viridiana en una más de las películas prohibidas de este polémico cineasta.
En una escena, los vagabundos aprovechan la ausencia de los dueños de la casa y hacen una gran comilona y se beben el vino. Luego, después de que el leproso cita la biblia cambiando la letra, se toman una fotografía en donde posan exactamente como Jesús y los doce apóstoles en el cuadro de La última cena, donde el ciego y más desarrapado de los vagabundos, es Jesús.
La censura franquista objetó el final original de la cinta, en el que Viridiana llamaba a la puerta de su primo, él abría y ella entraba, cerrando la puerta detrás de ella. Obediente, Buñuel propuso un final diferente (en donde Jorge, Viridiana y Ramona, la criada, juegan a las cartas, en una muy sutil referencia a un trío sexual) que terminó siendo más pernicioso que el primero y que, irónicamente, fue aceptado por los censores sin reparos.

miércoles, 8 de septiembre de 2010

Proyectarte Cineclub presenta "NAZARIN"

miércoles, 8 de septiembre de 2010 0
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Martes 14 de septiembre
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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Nazarín es una película mexicana de 1959, dirigida por Luis Buñuel, protagonizada por Francisco Rabal, Marga López, Rita Macedo, Jesús Fernández y Ignacio López Tarso en los papeles principales.
Basada en la novela homónima de Benito Pérez Galdós acerca de un sacerdote poco mundano, que es Jesús encarnado en un sacerdote inserto en un barrio popular de Madrid.
Ganadora del Gran premio del Jurado del Festival Internacional de Cine de Cannes, 1959.

ARGUMENTO
El padre Nazario es un sacerdote que ejerce en México, en los primeros años del siglo XX durante el gobierno de Porfirio Díaz. Este personaje expresa lo que los Evangelios dicen que fue Jesús: un hombre libre, comprometido, misericordioso y cercano a la gente. Sus feligreses son los pobres que viven cerca de él. Pero al intentar proteger a una prostituta que ha causado un incendio, tiene que huir, perseguido por la justicia. En su huida, el padre Nazario se replanteará su propia fe, a la vista de los acontecimientos que sufre y de los hechos que conoce.

La película significó la primera y única colaboración de Buñuel con el famoso productor independiente Manuel Barbachano Ponce, quien logró importantes aportaciones al cine mexicano, manteniéndose siempre al margen de la anquilosada industria oficial, la cual comenzaba a presentar serios problemas de burocratismo y cerrazón sindical.
Nazarín contiene varias de las más inquietantes y enigmáticas imágenes de la filmografía buñueliana. El Cristo que ríe, la niña que llora arrastrando una sábana por una calle vacía, el beso que se convierte en mordisco o la mujer entregando una piña al protagonista se han convertido en tema de inumerables discusiones en las que Buñuel, divertido, siempre se negó a participar. "A mí me intrigan tanto como a ustedes" decía. "No hay teorías ni metafísicas en mis películas."

miércoles, 1 de septiembre de 2010

Proyectarte Cineclub presenta "LOS OLVIDADOS"

miércoles, 1 de septiembre de 2010 0
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Martes 07 de septiembre
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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Los olvidados es una película mexicana de 1950 escrita y dirigida por Luis Buñuel, que obtuvo el premio al mejor director en el Festival de Cannes y que ha sido nombrada Memoria del Mundo por la Unesco.
Los olvidados cuenta una historia trágica y realista sobre la vida de unos niños en un barrio marginal de la Ciudad de México.
Esta película es la obra más relevante desde que Buñuel comenzó su etapa mexicana.
La película se sitúa en la línea del neorrealismo italiano, al que Buñuel aporta su toque surrealista.

ARGUMENTO
La historia gira en torno a dos adolescentes corrompidos por el medio en que viven.
El Jaibo, un adolescente, escapa de la correccional y se reúne en el barrio con sus amigos. Junto con Pedro y otro niño, trata de asaltar a Don Carmelo. Días después, el Jaibo mata en presencia de Pedro al muchacho que supuestamente tuvo la culpa de que lo enviaran a la correccional. A partir de este incidente, los destinos de Pedro y de el Jaibo estarán trágicamente unidos.

Los olvidados obtuvo en en 1951 premio a la mejor película en el festival internacional de cine de Cannes, Francia. Arieles otorgados en 1951 a la mejor película, a la dirección, a la co-actuación femenina (Stella Inda), a la actuación infantil (Alfonso Mejía), a la actuación juvenil (Roberto Cobo), a la fotografía, a la adaptación, al argumento original, a la edición, a la escenografía y al sonido (José B. Carles).
Los olvidados es una desértica mirada sobre el mundo que vive una juventud desposeída, cuyas únicas alternativas son la delincuencia y la marginación. Historia que si bien fue contada por Buñuel en 1950, hoy más que nunca continúa teniendo vigencia.

Proyectarte Cineclub Ciclo septiembre: Luis Buñuel (etapa mexicana)

miércoles, 25 de agosto de 2010

Proyectarte Cineclub presenta "The birds (Los pájaros)"

miércoles, 25 de agosto de 2010 0
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Martes 31 de agosto
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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Los pájaros es una de las películas más conocidas del director británico Alfred Hitchcock. Está basada en un relato titulado The Birds, de Daphne du Maurier. Fue nominada al Oscar a los mejores efectos especiales. Esta película es diferente de las precedentes por la ausencia de música, que suele servir de instrumento al suspenso Hitchcokiano.

ARGUMENTO
Melanie (Tippi Hedren), una rica y hermosa joven de la alta sociedad de San Francisco, conoce casualmente en una pajarería a un abogado. El es Mitch Brenner (Rod Taylor) y ha ido a comprar un par de periquitos para su hermana Kathy, que acaba de cumplir once años. Mitch, que conoce a Melanie por la prensa, la trata despectivamente y se marcha dejándola rabiosa pero intrigada. Melanie decide encargar unos periquitos y llevarlos a casa del abogado, pero éste se ha marchado el fin de semana a casa de su madre. Melanie decide entonces darle una sopresa llevándole la pareja de periquitos a la ciudad natal de los Brenner, Bodega Bay. Cuando llega al lugar, los pájaros de la zona comienzan a atacar sin razón aparente a los habitantes del lugar. La situación se agravará a medida que avanzan las horas.

Además de las elaboradas escenas de acometidas de los cuervos y gaviotas, lo más destacable de la película es el juego sibilino (siempre huyendo de la cotidianeidad del mundo ordinario) formulado por Hitchcock de intercambiar papeles entre el pájaro enjaulado y el ser humano, del sometimiento animal.

También notoria y efectiva es la espectacular utilización de los efectos sonoros de movimientos de alas y graznidos de pájaros coordinados por Bernard Hermann, en un film carente totalmente de música.

Esta película, junto con “Psicosis”, se puede encuadrar en el género del más puro terror, estilo, por otra parte, poco frecuentado por el director británico.
Pero, esta vez, a diferencia de su anterior trabajo, el miedo vendrá del exterior. Miedo a lo desconocido, a lo incontrolable: al caos.

jueves, 19 de agosto de 2010

Proyectarte Cineclub presenta "Psycho (Psicosis)"

jueves, 19 de agosto de 2010 0
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Martes 24 de agosto
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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Psycho (titulada Psicosis en español) es una película dirigida por Alfred Hitchcock en el año 1960. La película se ha convertido en un clásico del cine de terror y suspense, con el guión de Joseph Stefano. Se basa en la novela del mismo nombre de Robert Bloch, que a su vez fue inspirada por los crímenes del asesino en serie de Wisconsin Ed Gein. La película describe el encuentro entre una secretaria, Marion Crane (Janet Leigh), que se encuentra en la clandestinidad en un motel después de malversación de fondos de su empleador, y el propietario del motel, Norman Bates (Anthony Perkins).
Inicialmente recibió comentarios mixtos pero, incitando a una nueva revisión, se hizo una que fue muy positiva y dio lugar a cuatro nominaciones a los Premios de la Academia. Considerada hoy como una de las mejores películas de Hitchcock, y elogiada como una obra de arte cinematográfica de la crítica internacional, Psicosis también ha sido aclamada como una de las películas de terror más eficaces. Se trata de una película en la que cada escena es casi legendaria, y muchas han sido copiadas o hecha parodias. La película dio lugar a varias secuelas y una nueva versión, que generalmente son vistas como obras de menor calidad.

ARGUMENTO
Sam Loomis y Marion Crane viven una historia de amor clandestina. Querrían formalizar su situación, pero las dificultades económicas se lo impiden. Un día Marion roba cuarenta mil dólares de la empresa en la que trabaja, con la esperanza de poder así realizar su ilusión. En su huida, decide parar en el Motel Bates, regentado por Norman Bates y su madre, para pernoctar en él. A partir de aquí, todo rastro de ella desaparece.
Mientras, la hermana de Marion y su novio iniciarán una investigación, preocupados por su extraña desaparición. Poco a poco se van acercando al Motel Bates y así, llegarán a desentrañar los secretos que esconden Norman y su madre.
Hitchcock se había hecho un nombre como "el maestro del suspenso" con brillantes películas de misterio como "La ventana indiscreta" e "Intriga internacional", pero Psicosis era algo completamente diferente, algo que la mayoría de los habituales fanáticos del cine nunca habían visto.
Con sus estremecedores arrebatos de violencia y su provocativa sexualidad explícita, Psicosis desafió los estrictos límites de la censura de ese momento así como los nervios de la audiencia, y se convirtió en el mayor éxito en la carrera de su director.
Han pasado 50 años desde que la película fuera lanzada a un mundo a punto de ser aterrorizado. Incluso si usted nunca vio el filme, es muy probable que haya sido expuesto a su popular influencia.



martes, 17 de agosto de 2010

Proyectarte Cineclub presenta "LUST FOR LIFE (El loco del pelo rojo)"

martes, 17 de agosto de 2010 0
PROYECTARTE CINECLUB celebra su 1er. Aniversario
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Miércoles 18 de agosto
7.30 pm
TEATRIN INC
ENTRADA LIBRE
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El loco del pelo rojo es una película basada en la novela Lust for Life de Irving Stone. Película dirigida por Vincente Minnelli y protagonizada por Kirk Douglas, Anthony Quinn, James Donald, Pamela Brown, Everett Sloane, entre otros.
Biopic del famoso pintor impresionista Vincent Van Gogh, que retrata su atormentada vida y su particular infierno a partir de su obra como reflejo de sus ansiedades, experiencias, fracasos, soledades y búsquedas personales que le llevaron finalmente a la locura.

ARGUMENTO
Encarnado por Kirk Douglas, la película va narrando las tribulaciones de Vincent Van Gogh desde sus iniciales flirteos con la predicación religiosa en las pobres regiones mineras de Bélgica hasta su contacto con los innovadores pintores impresionistas ubicados en París, pasando por sus primerizos contactos con la pintura en su país natal (en la cual dibujaba a los campesinos realizando la tareas más cotidianas), sus inestables relaciones amorosas y amistosas y el vínculo afectivo más importante que mantuvo en su azarosa existencia, su hermano Theo, familiar que le ayudó durante toda su vida tanto como apoyo emocional como sustento económico para que Vincent pudiera sobrevivir en el lugar donde estuviese, fuese Holanda, Arlés o París.
En tales lugares procuró desarrollar su genio pictórico en contacto con otros artistas (Seurat, Monet, Pisarro o su mejor amigo, Paul Gauguin, interpretado magníficamente por un Anthony Quinn que sería premiado con el Oscar al mejor actor secundario) y bajo la presencia de su mejor influencia: los fenómenos naturales, la luz, el sol, el viento, las estrellas... todo ello expresado con su vigorizante sentido del color y su trazo grueso y ondulante.

1er. Aniversario Proyectarte Cineclub

miércoles, 11 de agosto de 2010

Proyectarte Cineclub presenta "INTRIGA INTERNACIONAL (NORTH BY NORTHWEST)"

miércoles, 11 de agosto de 2010 0
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Martes 17 de agosto
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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North by Northwest conocida en castellano como Con la muerte en los talones (España) e Intriga internacional (Hispanoamérica). Es un thriller de 1959 dirigido por Alfred Hitchcock y está considerado generalmente como una de sus mejores películas. Su estreno mundial tuvo lugar durante la 7ª edición del Festival de Cine de San Sebastián. Obtuvo tres nominaciones a los Oscar, mejor guión original, mejor dirección artística, y mejor montaje.
Utilizando como punto de partida una de sus situaciones preferidas (la del hombre común que por un giro imprevisible del destino se ve involucrado en una situación excepcional), Sir Alfred Hitchcock realizó este film sobre espías en plena Guerra Fría - año 1959 -, escapando a todos los convencionalismos de los films de espionaje de la época (tendenciosos y naifs).

ARGUMENTO
Roger Thornhill (Cary Grant) es un ejecutivo publicitario de Nueva York al que unos espías confunden con un agente del gobierno. Debe escapar, pero lo siguen de cerca. Durante la fuga conoce a una atractiva mujer, Eve Kendall (Eva Marie Saint), que lo ayuda. Algunas de sus escenas son recordadas por la magnitud de las imágenes: la persecución a Thornhill por un campo sembrado por una avioneta que quiere matarlo, una pelea en el monte Rushmore y la escena filmada de incógnito en la sede de la ONU en Nueva York.
Cary Grant demuestra su gran capacidad actoral como comediante. Su aspecto de lord inglés y los comentarios realizados en las situaciones aún mas comprometedoras (incluso en las románticas), agrega un ingrediente más a la forma paródica con que el director se introduce en los films de espionaje.

miércoles, 4 de agosto de 2010

Proyectarte Cineclub presenta "VERTIGO"

miércoles, 4 de agosto de 2010 0
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Martes 10 de agosto
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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Vertigo, conocida en castellano como Vértigo en América Latina, y como Vértigo (de entre los muertos) o De entre los muertos en España, es una película estadounidense dirigida por Alfred Hitchcock y estrenada en 1958. Narra la historia de John "Scottie" Ferguson, un detective retirado, aquejado de acrofobia, que es requerido por Gavin Elster, un antiguo compañero de Universidad y hombre millonario, para que vigile discretamente a su esposa Madeleine, quien considera que ha sido poseída por el espíritu de una mujer muerta, Carlotta Valdés. La película combina el suspenso y la ciencia-ficción catástrofista con temáticas relacionadas con el romance, misterio, muerte, decepción y alteración de la realidad. Su guión está basado en la novela Sueurs froides: d'entre les morts, (De entre los muertos) escrita por los franceses Pierre Boileau y Thomas Narcejac, y está protagonizada por James Stewart en el papel de "Scottie" y Kim Novak, quien interpreta un doble papel, como Madeleine Elster y Judy Barton. Se estrenó mundialmente en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián de 1958.

Es una de las películas mejor valoradas de la cinematografía norteamericana, nominada a dos premios Óscar. Es un material caracterizado por el uso de la narrativa audiovisual lograda por el director, las buenas actuaciones de James Stewart y Kim Novak, las locaciones sacadas de la misma mente de Hitchcock y la minuciosidad con la que están cuidados todos los detalles de esta historia. Vertigo tuvo un inicio poco alentador cargado de tibias críticas y una pobre acogida en taquilla, sin embargo, fue ganando popularidad a medida que pasó el tiempo y se fue colocando siempre entre las mejores películas

ARGUMENTO
El inspector de San Francisco Scottie Ferguson sufre de vértigo y se ve compelido a retirarse del servicio cuando un compañero cae de una cornisa al vacío, durante la persecución de un delincuente. Un día recibe una llamada de Gavin Elster, un antiguo compañero de clase, que es millonario, y le pide que vigile discretamente a su esposa Madeleine, que parece estar poseída por el espíritu de su bisabuela, Carlota Valdés, muerta cien años antes. Después de seguirla y observarla durante unos días, Ferguson se obsesiona con Madeleine. A partir de ese momento se ve envuelto en una trama de la que ya no puede salir.

jueves, 29 de julio de 2010

Proyectarte Cineclub presenta "REAR WINDOW (LA VENTANA INDISCRETA)"

jueves, 29 de julio de 2010 0
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Martes 03 de agosto
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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La ventana indiscreta es una película estadounidense de 1954, dirigida por Alfred Hitchcock.
Protagonizada por James Stewart, Grace Kelly, Wendell Corey, Raymond Burr y Thelma Ritter en los papeles principales. Está basada en el cuento de William Irish (Cornell Woolrich) It Had to Be Murder (1942).
Galardonada con el premio del Círculo de críticos de cine de Nueva York 1954 : a la mejor actriz (Grace Kelly). El premio Edgar 1955: al mejor guión (John Michael Hayes); y el Premio National Board of Review 1954 : a la mejor actriz (Grace Kelly).
Preservada desde 1997, en el National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, por ser considerada «cultural, histórica, o estéticamente significativa».
En 1955 fue candidata a los Premios Óscar en las categorías: mejor director, mejor fotografía en color, mejor guión y mejor sonido.

ARGUMENTO
Un fotógrafo L. B. "Jeff" Jefferies (James Stewart) recluido en su apartamento y con una pierna enyesada debido a un accidente, elabora conjeturas acerca del extraño comportamiento de uno de sus vecinos de enfrente (Raymond Burr) al que espía valiéndose de toda herramienta a su alcance (cámara fotográfica, binoculares). El juego va complicándose, y entra en él su novia (Grace Kelly) y más tarde su enfermera (Thelma Ritter'), quienes incluso entran a registrar la casa del vecino.

Proyectarte Cineclub: CICLO ALFRED HITCHCOCK




jueves, 22 de julio de 2010

Proyectarte Cineclub presenta "PARIS, TEXAS"

jueves, 22 de julio de 2010 0
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Martes 27 de julio
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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Paris, Texas es una película franco-alemana del año 1984, dirigida por el germano Wim Wenders, hablada en inglés y rodada en Estados Unidos. El título de la película se refiere a un lote baldío que queda en la ciudad llamada Paris en el estado de Texas y que se relaciona con los recuerdos del protagonista.
Según algunos críticos, la película es reconocida, entre otras cosas, por la forma como captura el espíritu de Texas mostrando de manera "majestuosa" los paisajes gracias al trabajo entre el director y el director de fotografía Robby Mülle y por la música de guitarra producida por Ry Cooder.

ARGUMENTO
Cerca de la frontera mexicana en Texas un hombre que padece de amnesia aparece en el desierto. Después de caminar por días se desploma y es llevado a un centro de salud donde se conoce que el hombre se llama Travis (Harry Dean Stanton) y ha estado perdido por cuatro años. Es entonces cuando acude su hermano, quien lo habría reportado como desaparecido años atrás y lo lleva hacia su hogar en Los Ángeles. Travis descubre que su hijo Hunter se crió con su hermano y la esposa de éste, quienes nunca ocultaron que Travis era su padre desaparecido. Travis se hace amigo de su hijo y lo convence de ir con él en busca de su esposa y madre del pequeño de nombre Jane Henderson (Nastassja Kinski). Siguiendo una pista dada por la esposa de su hermano, Travis encuentra a Jane en Houston y descubre que tiene un empleo poco digno. Se decide a contactarla y juntos reviven su pasado. Travis deja el niño al cuidado de Jane.

RECONOCIMIENTOS
La película fue ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes.

miércoles, 14 de julio de 2010

Proyectarte Cineclub presenta "BADLANDS"

miércoles, 14 de julio de 2010 0
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Martes 20 de julio
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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Badlands o Malas tierras (1973) dirigida Terrence Malick. Protagonizada por Martin Sheen y Sissy Spacek.

SINOPSIS
Terrence Malick es un director atípico, singular, apgre en su camino. Malick se limita a poner en imágenes la historia vivida por Charles Starkweather y Caril-Ann Fugate allá por 1958: no emite juicios, evita moralina al espectador y se pearentemente integrado en la industria tradicional pero que trabaja en clave de realizador independiente.
"Malas tierras" fue uno de sus primeros trabajos, a los que siguieron interesantes films como "Días del cielo" y "La delgada línea roja".
"Malas tierras" es un thriller psicológico basado en hechos reales, en la peripecia de una pareja de novios en fuga a través de las llamadas badlands del estado de Montana tras el asesinato del padre de ella por parte de él. En su permanente huida irán dejando, como sucedía en películas como la sensacional "Gun Crazy", de Joseph Lewis, un reguero de sanrmite incluso bromas visuales que resultan de agradecer: hay momentos en "Malas tierras" en los que la ambientación y la fotografía obran el milagro de hacer creer que estamos viendo en realidad otro tipo de película, algo así como una salvaje y asesina mirada a un mundo, el mundo real, en el que debajo de cada piedra y cada rastrojo anida la violencia.

miércoles, 7 de julio de 2010

Proyectarte Cineclub presenta "FIVE EASY PIECES"

miércoles, 7 de julio de 2010 0
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Martes 13 de julio
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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Five Easy Pieces (1970) drama escrito por Carole Eastman (como Adrien Joyce) y Bob Rafelson , y dirigida por Rafelson. Protagonizada por Jack Nicholson, Karen Black y Susan Anspach.
Antes de dirigir “El cartero siempre llama dos veces”, la película que pudo haberle lanzado como uno de los directores más estimulantes de su tiempo, Bob Rafelson había dirigido esta pequeña obra maestra de los 70, una desesperanzada mirada hacia una juventud llena de preguntas.
Rafelson tardó unos cuantos años desde que decidió dedicarse al cine (empezó como realizador de media docena de episodios de la divertida serie de televisión “The Monkees” y dirigiendo un par de películas menores y ya casi olvidadas) en poner en pie esta película, basada en una historia original suya y de Carole Eastman.
Está protagonizada por un joven de vida rutinaria que, una vez ha tomado la decisión de casarse, adentra a la que será su esposa en su vida real, en su pasado: en realidad no es un vulgar trabajador de una extracción petrolífera sino un joven culto, perteneciente a una familia de músicos y con una intensa formación pianística. B
ob Rafelson indaga en uno de los lugares comunes del cine estadounidense de todos los tiempos: la doble moral y el juego de las apariencias. En varias docenas de singulares películas del cine internacional, desde el “Betty Blue” de Jean-Jacques Annaud hasta algunos de los trabajos de David Lynch hay trazas de este “Five Easy Pieces”, una película melancólica a ratos, airada a veces y auténtica siempre.
Como siempre, en “Five Easy Pieces” (título que hace referencia a una pieza popular entre los estudiantes de Piano) hay una historia paralela a la película: la de lo que pudo ser y no fue. Rafelson quiso en el reparto a Ellen Burstyn en el papel que finalmente bordó Karen Black y que le valió una nominación a los Oscar, así como a Jeanne Moreau en otro de los papeles fundamentales de la historia, mientras que Jack Nicholson pretendió infructuosamente que Janis Joplin, uno de los indiscutibles ídolos del hippismo estadounidense, tuviera también un papel de peso en la película. Por cierto (y sin tratar de desvelar el final de “Five Easy Pieces”), al parecer hubo intensas discusiones entre Rafelson y su guionista a propósito del final de la misma.
 
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