Proyectarte Cineclub última proyección "CINEMA PARADISO"

Proyectarte Cineclub presenta "CINEMA PARADISO"

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Martes 14 de diciembre

7.30 pm

TEATRIN INC

S/. 3.00

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Cinema Paradiso es una película italiana dirigida en 1988 por Giuseppe Tornatore.

Protagonizada por Philippe Noiret, Salvatore Cascio, Marco Leonardi, Antonella Attili y Jacques Perrin.

Esta película ganó el Óscar a la mejor película en lengua no inglesa de 1989 y el Globo de Oro en la misma categoría. También ganó el premio especial del jurado del Festival de Cine de Cannes del mismo año. Recibió el premio Bafta a la mejor película extranjera y Philippe Noiret ganó los premios Bafta y European Film Award al mejor actor.

ARGUMENTO

Cinema Paradiso es una historia de amor por el cine. La película narra la historia de un niño de un pequeño pueblecito italiano en el que el único pasatiempo es disfrutar de las películas del cine Paradiso. Encantado por las oscilantes imágenes, Salvatore deseaba con todas sus fuerzas que el cine fuese en realidad magia. Un día, Alfredo, el operador de cine, accede a enseñar al pequeño los misterios que se ocultan en una película. Todos los niños de la pequeña villa van creciendo, sin perder nunca su amor por el cine, pero llega el momento en el que Salvatore debe dejar el pueblo y comenzar a buscar sus sueños. Y así ocurre durante treinta años hasta que un día un mensaje le comunica que debe volver a casa donde un secreto le espera.

Es un homenaje al séptimo arte, a sus actores, actrices y directores. También es la vida de Italia en la segunda mitad del siglo XX, mostrándonos unos personajes prototipos del pueblo italiano y la historia de los protagonistas, que establecen de forma simbólica una relación padre-hijo, que suple sus propias carencias afectivas.

Todo está engarzado y adicionado con una cuidada fotografía y con música creada ex profeso por un grande de la musicalización de películas, Ennio Morricone.

Cinema Paradiso son muchas películas en una y ofrece una veta pedagógica rescatable para maestros y padres: presenta una amplia gama de emociones, sucesos y temas como la censura, el progreso, la emigración, la relación entre la fantasía y la realidad, etcétera, todos ellos tópicos interesantes para comentar y reflexionar con niños y jóvenes.

Proyectarte Cineclub presenta "IT'S A WONDERFUL LIFE" (¡Qué bello es vivir!)

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Martes 07 de diciembre
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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¡Qué bello es vivir! (It's a Wonderful Life) es una película estadounidense de 1946. Se trata de un clásico del cine norteamericano, y es la película que más se ha emitido en las televisiones de todo el mundo durante las fechas navideñas.
El director de origen italiano Frank Capra lleva la batuta de este mas que maravilloso film, una historia tejida alrededor del personaje brillantemente interpretado por el formidable James Stewart, quien aquí desplegó su lado mas sensible y encantador en la gran pantalla.

ARGUMENTO
George Bailey, un hombre honrado que siempre se ha sacrificado por los demás, mantiene a duras penas una empresa de empréstitos con la que evita los desmanes del millonario Potter. Con la empresa al borde de la quiebra, Bailey piensa incluso en suicidarse, pero Clarance, un ángel venido a menos y que debe hacer méritos para recuperar sus alas, es enviado a la Tierra con la misión de evitar dicho suicidio. Con la llegada de Clarence la vida de Bailey y de quienes le rodean tomará un rumbo distinto.

Mezclando el drama, la comedia y la fantasía, "Que bello es vivir" aborda el asunto del heroísmo de la gente anónima, esa gente que lucha día a día por mantener a sus familias y procurar un bienestar a la gente que les rodea, despreocupados del propio egoísmo material.
La sensibilidad inherente a la narración del maestro Capra, la sana bonhomía desprendida y la pujanza de las interpretaciones, encabezadas por un genial James Stewart y por la entrañable aparición de Henry Travers en el papel de un simpático ángel sin alas que conseguirá que el protagonista principal replantee sus actitudes y valores ante la vida, son algunos de los principales valores de este rotundo clásico, que debería ser considerada de visión obligatoria para todo tipo de personas con tendencias suicidas, y que ellos mismos apreciaran lo importante que puede resultar su existencia, a pesar de los muchos sinsabores que su transcurrir puede depararnos.

Proyectarte Cineclub presenta "CITIZEN KANE" (Ciudadano Kane)

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Martes 30 de noviembre
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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Ciudadano Kane es una película dirigida, escrita, producida y protagonizada por el estadounidense Orson Welles, considerada como una de las obras maestras de la historia del cine.
La película ganó un Oscar al mejor guión original y estuvo entre las candidatas en otras ocho categorías: película, director, actor principal (Orson Welles), dirección artística, fotografía, música, sonido y montaje. Paradójicamente, ese único oscar —que también sería el único conseguido por Welles en toda su carrera, a excepción del honorífico de 1970— fue otorgado en una categoría, el guión, de su autoría en conjunto con Mankievickz.

ARGUMENTO

El magnate de la prensa Charles Foster Kane (Orson Welles) fallece, acompañado solamente por sirvientes, en su gran mansión pronunciando una única palabra: «Rosebud». Con la intención de averiguar su significado, un periodista comienza una investigación con las personas que vivieron y trabajaron con Kane. Las entrevistas se suceden y con cada persona afloran vivencias y recuerdos que ayudan a modelar la compleja imagen del fallecido millonario, pero que no aportan datos sobre la misteriosa palabra. Sólo el espectador conocerá su origen y significado que engloba temas como el anhelo de las cosas perdidas y los valores realmente importantes.

El filme marca un hito en la historia del cine. Técnicamente no inventó nada, pero sí usó todos los recursos existentes hasta ese entonces de manera magistral: uso de la profundidad de campo, seguramente influido por el realismo poético de franceses como Jean Renoir, fotografía en claroscuro y juegos de iluminación, herencia del expresionismo alemán de principios del siglo, escenografías techadas nada comunes para la época y notable uso de los movimientos de cámara y uso de grúas, como dollys y travellings. Pero también añadió algo absolutamente nuevo: la mirada personal del autor, el director como un narrador omnisciente que quiere contar la historia a su manera, valiéndose para ello de herramientas como el picado y el contrapicado. De esta forma, por ejemplo, es capaz de mostrar a Charles Foster Kane, inspirado en el magnate de las comunicaciones William Randolph Hearst, como un hombre lleno de poder. También desarmó la cronología de la mayoría de las historias que eran proyectadas en la pantalla grande, empezando la narración desde el final.

Proyectarte Cineclub presenta "ONE FLEW OVER THE CUCKOO'S NEST" (Atrapado sin salida)

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Martes 23 de noviembre
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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Atrapado sin salida es una película estadounidense de 1975 basada en la novela homónima de Ken Kesey. Dirigida por Miloš Forman. Protagonizada por Jack Nicholson, Louise Fletcher, Danny DeVito, Christopher Lloyd, Brad Dourif y Will Sampson en los papeles principales.
Ganadora de 5 premios de la Academia y numerosos reconocimientos internacionales.

ARGUMENTO

Randle Patrick McMurphy (Jack Nicholson) ha cometido un delito por el que debería ir a prisión. Consigue a cambio que le envíen a un centro psiquiátrico. Allí se hace pasar por enfermo mental y logra que le ingresen en un departamento de cuidados especiales. Tratando de pasar el rato de la forma más agradable posible, organiza con sus compañeros, juegos y toda clase de diversiones, hasta el extremo de que infringe las normas de disciplina, las que la enfermera jefe Mildred Ratched (Louise Fletcher) no está dispuesta a tolerar. Comienza entonces una lucha de voluntades entre McMurphy y Ratched que terminará en tragedia.

No es nada fácil que la Academia de Hollywood otorgue cinco Oscar a la misma película ni menos en los rubros principales. Cuando Atrapado sin Salida los ganó, habían pasado más de 30 años desde que un film era merecedor de semejante galardón. Es que este apasionante film de Milos Forman tiene sobrados méritos para adjudicarse cuatro premios otorgados por el mundo cinematográfico. Atrapado sin Salida, un filme duro, atrapante, movilizador. Una mirada que conmueve sobre la vapuleada condición del hombre actual.

Proyectarte Cineclub presenta "SINGIN' IN THE RAIN" (Cantando bajo la lluvia)

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Martes 16 de noviembre
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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El musical “Cantando bajo la lluvia” o “Singing in the rain” es considerado uno de los musicales míticos de Hollywood. Y su inspiración de melodías está basada en la creación del estilo de melodías que se fueron realizando durante los años 30 y 40. Llevándolas a lo que tal vez fue su punto culmine. Ya que los años 50, fueron para el género del musical, “los dorados años 50“. Contando con la magia de la pantalla color, el sonido y si de talentos se trata, no hay duda de que dicha época fue un germinador.
Sus directores fueron Stanley Donen Y Gene Kelly. Este no fue su único proyecto juntos y por esta época, Kelly, ya se había ganado con su anterior film “Un americano en París” (1951), que la MGM (Metro Goldwyn Mayer) le diera libertad de creación a la hora de plasmar sus ideas. Una película que sin duda para todos los protagonistas tanto Kelly, como Donald O’Connor y Debbie Reynolds, entre gran elenco; marcó un antes y un después en sus carreras. Tal vez ni sus creadores imaginaban su vigencia a lo largo de la historia.
Cantando bajo la lluvia se estrenó en el mes de abril del año 1952, y fue la más taquillera del año.

ARGUMENTO
Antes de conocer a la aspirante a actriz Kathy Selden (Debbie Reynolds), el ídolo del cine mudo Don Lockwood (Gene Kelly) pensaba que lo tenía todo; fama, fortuna y éxito. Pero, tras conocerla, se da cuenta de que ella es lo que realmente faltaba en su vida. Con el nacimiento del cine sonoro, Don quiere filmar los musicales con Kathy, pero entre ambos se interpone la reina del cine mudo Lina Lamont (Jean Hagen).

Singing in the Rain funciona en todos los sentidos. Es mucho más que un musical, el film es una gran comedia, una gran historia romántica y un gran homenaje a un cine que si entonces ya quedó desfasado, hoy en día solo aficionados intentamos rescatar del olvido, si estoy hablando del cine mudo. Todo el mundo la haya visto o no, tiene presente la escena de Don después de despedirse de Kathy y en un arrebato de optimismo dado al amor que siente por ella se pone a cantar bajo la lluvia... Y todas esas magníficas coreografías, míticas las de Moses supposes his toeses are roses, los duos románticos que no abundan consiguiendo así un romance simpático y nunca demasiado empalagoso, las piernas de Cyd Charisse, las canciones unidas a las coreografías ideadas por el propio Gene Kelly consiguen convertirse en parte en un bloque unido y conglomerado, lejos de ser simples números desgajados sin vínculo de unión, como la mayoría de musicales actuales.

Como conclusión uno de los mejores musicales que demuestra que no se necesita una historia muy complicada para sacar un gran musical lleno de magia, una magia que hoy en día se ha perdido y se ha sustituido por el afán a ganar dinero.

Proyectarte Cineclub presenta "12 ANGRY MEN" (12 hombres en pugna)

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Martes 09 de noviembre
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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12 Angry Men es una película estadounidense de 1957, dirigida por Sidney Lumet. Protagonizada por Henry Fonda, Martin Balsam, John Fiedler, Lee J. Cobb, E. G. Marshall, Jack Klugman, Edward Binns, Jack Warden, Joseph Sweeney, Ed Begley, George Voskovec, Robert Webber. Basada en la obra homónima escrita por Reginald Rose.
Nominada a 3 premios de la Academia y ganadora de varios premios cinematográficos internacionales.

ARGUMENTO

La película trata sobre un juicio de un homicidio en el que 12 hombres tienen que deliberar sobre el futuro de un muchacho, dictaminando si es culpable o inocente (en la versión original, no culpable) del asesinato de su padre. Las pruebas apuntan a que es culpable, por ello 11 de los 12 miembros del jurado opinan que es culpable, pero el miembro número 8 (Henry Fonda) tiene en cuenta diferentes argumentos que se han citado en el juicio, y hace que surja la duda sobre la culpabilidad del muchacho.

En la película se observan diferentes tipos de comportamientos y roles que va desempeñando cada miembro del jurado mostrando así características de su personalidad y cómo influye su vida a la hora de dictaminar la culpabilidad del acusado.

El director mostró en esta cinta sus mayores fortalezas: ojo agudo para el conflicto social y una narración clara que deja espacio para los actores. El elenco es de primer nivel y, aunque algunas ideas hoy suenen bastante ingenuas, el drama permanece impecable.

Proyectarte Cineclub presenta "THE STING" (El golpe)

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Martes 02 de noviembre
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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El golpe (título original The Sting) es una película de cine dirigida por George Roy Hill en 1973. La película reunió de nuevo a Paul Newman y Robert Redford después de haber protagonizado conjuntamente Dos hombres y un destino. La película ganó siete premios de la Academia. Entre ellos el Oscar a la Mejor Película, y obtuvo otras tres nominaciones.

ARGUMENTO

Tres estafadores de poca monta roban una gran cantidad de dinero a un correo de un importante jefe mafioso. Uno de ellos es asesinado por los secuaces del más poderoso gánster de la ciudad: Doyle Lonnegan (Robert Shaw) que pretendía vengarse por el robo de dinero. Después del revuelo del asesinato, Johnny Hooker (Redford) decide cambiar de ciudad. Allí, junto con una leyenda entre los estafadores, Henry Gondorff (Newman), y otros muchos estafadores preparan el golpe que vengará al compañero muerto. La película comienza con una peculiar partida de cartas.

El film no pierde ritmo en ningún momento y gracias al fabuloso y sorprendente guión, acompañado de un toque de humor y una notable ambientación, la historia resulta muy, pero que muy entretenida. Y la química entre los dos actores es inmejorable. Para la posteridad han quedado las saltarinas notas del piano de Scott Joplin, mítica estrella del estilo Ragtime.

Proyectarte Cineclub Ciclo "AND THE OSCAR GOES TO... "

Proyectarte Cineclub presenta "THE GREAT DICTATOR" (El gran dictador)

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Martes 26 de octubre
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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El gran dictador es una película de cine estadounidense escrita y dirigida por Charles Chaplin en 1940.

ARGUMENTO

Un barbero judío que combatió con el ejército de Tomania en la primera guerra mundial vuelve a su casa años después del fin del conflicto. Amnèsico a causa de un accidente de avión, no recuerda prácticamente nada de su vida pasada y no conoce la situación política actual del país: Adenoid Hynkel, un dictador fascista y racista, ha llegado al poder y ha iniciado la persecución del pueblo judío, a quien considera responsable de la situación de crisis que vive el país. Paralelamente, Hynkel y sus colaboradores han empezado a preparar una ofensiva militar destinada a la conquista de todo el mundo.

El gran dictador es una sátira del fascismo, y en particular de Adolf Hitler y su Nacionalsocialismo. Chaplin realiza en su segundo largometraje sonoro una sátira agria de Hitler. La Segunda Guerra Mundial comienza el 1 de septiembre de 1939 y el rodaje comienza el 9 de septiembre de 1939 en un gran hermetismo por las presiones que estaba recibiendo para no filmarla de la embajada alemana y de su productora United Artist, que había recibido amenazas de boicot. La política estadounidense era neutral en ese entonces y se "desalentaban" producciones antihitlerianas. Pese a esto y a que las críticas de la prensa fueron negativas en particular con su discurso final, fue la película que más recaudó de las que realizó. Por esta película y por sus ideas sería perseguido por el Comité de Actividades Antiestadounidenses, teniendo luego que exiliarse de EEUU (ver artículo principal en Chaplin).

Chaplin interpreta en la película a dos personajes. Esta cinta fue el primer filme sonoro, con diálogos, de Chaplin. La película no se estrenaría en Alemania hasta 1958, aunque esta era una de las películas predilectas que tenía Hitler en su cine particular, y obtuvo sus mayores éxitos después de 1945.
Al conocer años después el horror de los campos de exterminio, Chaplin afirmó que no hubiera realizado la película de saberlo, aunque muestra gran intuición sobre el tema al realizarla, con una fuerte carga de moralidad y llena de parodias y críticas hacia un sistema político tan fuerte como era el nacionalsocialismo. Chaplin al final de la película sorprende con un manifiesto tremendamente emotivo donde expone el horror de la guerra y lo terrible que es para las personas estar sometidas bajo la figura de un dictador.

Proyectarte Cineclub presenta "MODERN TIMES" (Tiempos modernos)

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Martes 19 de octubre
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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Tiempos modernos es un largometraje de 1936 dirigido, escrito y protagonizado por el célebre actor Charles Chaplin. La película constituye un retrato de las condiciones desesperadas de empleo que la clase obrera tuvo que soportar en la época de la Gran depresión, condiciones promovidas, en la visión dada por la película, por la eficiencia de la industrialización y la producción en cadena. En la película también intervienen Paulette Goddard, Henry Bergman, Stanley Sandford y Chester Conklin. La película muestra escenas de corte futurista de la factoría en la que trabaja Charlot que podrían haber sido influenciadas por el film Metrópolis de Fritz Lang.

ARGUMENTO
Un obrero de la industria del acero acaba perdiendo la razón, extenuado por el frenético ritmo de la cadena de montaje de su trabajo. Después de pasar un tiempo en el hospital recuperándose, al salir es encarcelado por participar en una manifestación, en la que se encontraba por casualidad. En la cárcel, también sin pretenderlo, ayuda a controlar un motín por lo que gana su libertad. Una vez fuera de la cárcel reemprende la lucha por la supervivencia, lucha que compartirá con una joven huérfana que conoce en la calle.

Tiempos modernos fue un filme a caballo entre el cine mudo y sonoro. Se incluyeron algunos efectos sonoros en la película, como música, cantantes y voces provenientes de radios y altavoces así como la sonorización de la actividad de las máquinas. Al final del film puede escucharse brevemente la voz de Charles Chaplin, que canta una versión de la canción de Léo Daniderff, Je cherche après Titine, pero con una letra sin sentido, conocida como "Charabia", cuyos sonidos tratan de asemejarse a una mezcla de francés e italiano, con alguna palabra reconocible en inglés.

Considerado como un ejemplo de filme de crítica social, el mismo Chaplin negó la relevancia que muchos han querido darle a su trabajo en este largometraje.

Proyectarte Cineclub presenta "CITY LIGHTS" (Luces de la ciudad)

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Martes 12 de octubre
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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Luces de la ciudad (City Lights) es una película escrita, dirigida e interpretada en 1931 por Charlie Chaplin.

ARGUMENTO
Una florista ciega toma por un hombre solvente al vagabundo que suele interpretar Charles Chaplin. Éste, tiernamente enamorado, intenta conseguir a toda costa el dinero necesario para una operación que puede devolverle la vista. Para ello se presentará voluntario a un combate de boxeo, que ofrece como premio una sustanciosa cantidad de dinero.

"Comedia romántica en pantomima". Así definen sus títulos de crédito esta obra maestra del cine mudo. Estrenada en 1931, cuando el cine sonoro se había impuesto comercialmente, lo cierto es que Charles Chaplin empezó el rodaje en 1928, antes del estreno de El cantor de jazz, el primer film hablado. La producción se retrasó principalmente por las consecuencias económicas del crack del 29, pero también porque Chaplin no estaba seguro de que la actriz principal, la desconocida Virginia Cherrill, fuera la más indicada para interpretar a la florista. Descontento por la forma en que ofrecía las flores, tras repetir la toma centenares de veces, la despidió y la sustituyó por otra intérprete. Finalmente volvió a contratarla, a pesar de que la actriz aprovechó la coyuntura para pedir más dinero.

Además, Chaplin tardó en resolver el problema principal que planteaba la trama: ¿cómo podría entender el público de modo sencillo que la florista confundiera al vagabundo con un hombre rico sin utilizar diálogos? La solución es un claro síntoma del ilimitado ingenio del cineasta: el sonido de un coche al cerrarse. Cuando lo escucha, la invidente distingue a sus posibles clientes, pues sólo los que se pueden permitir pequeños lujos tenían coche en aquella época. Por un cúmulo de casualidades, la primera vez que se conocen, Chaplin sale de un vehículo.

Al igual que en otros de los grandes trabajos de Chaplin, la grandeza de este título reside en el sello personal del director: su inigualable mezcla entre drama y comedia. La historia de amor resulta especialmente emotiva y describe a las clases desfavorecidas de la época. Al mismo tiempo, algunas subtramas son hilarantes; especialmente los encuentros del vagabundo con un millonario borracho, que le toma como su mejor amigo e incluso se lo lleva a pernoctar a su mansion, pero que cuando se le pasan los efectos del alcohol no se acuerda de él. Para guardar el delicado equilibrio entre risas y lágrimas, Chaplin tuvo que renunciar a siete minutos iniciales de comedia desatada absolutamente geniales, pero que dificultaban enormemente que después el público pudiera conmoverse.

Curiosamente, la banda sonora, compuesta como es habitual por el propio Chaplin, calca por completo los famosos acordes de "La violetera", de los maestros Padilla y Montesinos. El cineasta tuvo que pagar a los autores españoles una gran cantidad de dinero tras un juicio por plagio.

Proyectarte Cineclub presenta "THE KID"

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Martes 05 de octubre
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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The Kid es una película muda de Charlie Chaplin estrenada en 1921. Se destacó un pequeño Jackie Coogan como co-protagonista y estrella infantil. Es una de las pocas películas del cine mudo que han mantenido su popularidad hasta nuestros días.

ARGUMENTO

Una joven señorita, Edna (interpretada por Edna Purviance), acaba de dar a luz a un hijo no deseado. Con el dolor de su alma, decide dejar a su bebé dentro del elegante automóvil de cierta familia adinerada, junto a una nota en que brevemente pedía que se hicieran cargo de su hijo. Pero unos delincuentes que se roban el auto, dejan al bebé abandonado en la esquina de un barrio marginal. Es allí donde lo encuentra un alegre, despreocupado e inocente vagabundo (interpretado por Charlie Chaplin), quien si bien en varias ocasiones intenta deshacerse de semejante responsabilidad, se compadece de él y decide adoptarlo y asumir su crianza. El bebé crece y se convierte en "The kid", un muchacho de seis años interpretado por Jackie Coogan. Junto a su padre adoptivo sobreviven en base a divertidas pillerías, viviendo pobremente en un suburbio pero a la vez tranquilos y felices.

Edna, quien se ha convertido en una famosa y adinerada actriz, intenta mitigar en parte el constante dolor de haber perdido a un hijo, y suele descender a los suburbios a repartir juguetes entre los niños pobres; entre ellos está el Chico. Cuando Edna ve la nota que Chaplin había guardado por tanto tiempo como único antecedente de los orígenes del Chico, se da cuenta que se trataba del mismo hijo que había perdido. Finalmente Edna y el Chico se reencuentran como madre e hijo, y Chaplin es invitado a vivir con ellos en su lujosa casa; curiosamente, la misma casa en que años antes había dejado a su hijo dentro del automóvil.

Chaplin se inspiró en la crudeza de su infancia y en la reciente muerte de su bebé, quien había nacido prematuro, para el rodaje de "The Kid". Fue una película excepcional, en la que plasmó mucho de si mismo. Se incluyeron muchos efectos especiales novedosos para la época. Otro dato interesante, pero a la vez desilusionante, es el alcoholismo de Edna Purviance. Solía llegar tan ebria a las grabaciones, que en muchas oportunidades, Chaplin pensó en reemplazarla por otra actriz. Lita Grey, quien en la escena del sueño del vagabundo interpreta al "Angel de la tentación", fue posteriormente esposa de Chaplin (había quedado embarazada de éste con sólo 16 años de edad); pero se divorciaron al poco tiempo por problemas personales.

Proyectarte Cineclub Ciclo octubre: Charles Chaplin

Proyectarte Cineclub presenta "EL ANGEL EXTERMINADOR"

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Martes 28 de septiembre
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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El ángel exterminador es una película de Luis Buñuel producida en México por Gustavo Alatriste y protagonizada por Silvia Pinal (esposa del productor), Enrique Rambal y Claudio Brook, aunque se trata de una obra coral. Fue realizada tras el éxito internacional de Viridiana, también producida por Gustavo Alatriste e interpretada por Silvia Pinal. La película franco-española de 1972 "El discreto encanto de la burguesía" (Le charme discret de la bourgeoisie) aborda temas similares.

ARGUMENTO

Un grupo de burgueses de la ciudad de México son invitados a una cena en la mansión de los Nóbile después de asistir a la ópera. Mientras, los sirvientes y los cocineros sienten deseos de abandonar la mansión y se marchan. Al terminar la cena, los invitados se dan cuenta de que no pueden salir de la habitación por una razón que desconocen, aunque no hay aparentemente nada que lo impida. A medida que van pasando los días, el alimento y la bebida escasean, los personajes enferman y la basura se acumula. A partir de ese momento, las buenas costumbres y la cordialidad poco a poco se acaban perdiendo y los burgueses se comportan como auténticos salvajes.

A diferencia de Viridiana, el presupuesto con el que contaba Alatriste para financiar El ángel exterminador era muy limitado. "Lo ideal, desde luego, hubiera sido hacerla en Inglaterra, en un lugar donde verdaderamente existe un estilo de alta sociedad. Pero, en cambio, con Alatriste tuve toda la libertad del mundo."
La película presenta uno de los temas favoritos de Buñuel: el de las repeticiones. "Creo haber sido el primero en emplearlas en el cine. La entrada de los invitados en la lujosa mansión de los Nóbile y la subida por la escalera al piso superior la repetí dos veces consecutivas, sin otra variación que una toma en picado y otra en contrapicado. Cuando terminó de hacerse la copia, el fotógrafo Gabriel Figueroa vino a verme alarmado y me dijo «Oiga usted, la copia no está bien, una escena se repite.» Le dije: «Pero Gabriel, el montaje lo hago siempre yo mismo. Además usted filmaba conmigo y sabe que en la repetición usamos otro encuadre. Es una repetición voluntaria...» «Ah, ya veo», dijo, pero en verdad estaba asustado."
Además de la doble entrada de los invitados, en El ángel exterminador existen un gran número de situaciones duplicadas. "La repetición me atrae, tiene un efecto hipnótico. En la película hay como veinte repeticiones. Unas se notan menos que otras."
Acerca del enigmático título de la película Buñuel comenta: "Yo primero pensé que el título tenía una relación subterránea con el argumento, aunque no sabía cuál. A posteriori lo he interpretado así: los hombres cada vez se entienden menos entre sí. Pero ¿por qué no se entienden? ¿Por qué no salen de esta situación? En la película es lo mismo: ¿Por qué no llegan juntos a una solución para salir de su encierro?"

Proyectarte Cineclub presenta "VIRIDIANA"

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Martes 21 de septiembre
7.30 pm
TEATRIN INC
S/. 3.00
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Viridiana es una película de 1961, es una película mexicana, dirigida por Luis Buñuel, protagonizada por Silvia Pinal, Francisco Rabal y Fernando Rey en los papeles principales.
La película recibió el máximo galardón del Festival de Cannes, la Palma de Oro, así como la ovación unánime de público y jurado.
Prohibida durante mucho tiempo en España, es una crítica a la caridad por la caridad misma, frente a la generación de trabajo, además de una sátira del idealismo cristiano. Sin embargo, el propio Luis Buñuel desmintió está interpretación:
[...] las imágenes se encadenaron en mi cabeza, unas tras otras, formando una historia. Pero nunca tuve la intención de escribir un argumento de tesis que demostrara, por ejemplo, que la caridad cristiana es inútil e ineficaz. Sólo los imbéciles tienen esas pretensiones.

ARGUMENTO
La novicia Viridiana (Silvia Pinal) —a punto de tomar los hábitos— debe abandonar el convento para visitar a su tío don Jaime (Fernando Rey), quien le ha pagado los estudios. Durante su visita, don Jaime —impresionado por el parecido entre Viridiana y su difunta esposa— la adormece e intenta poseerla, pero finalmente no se atreve. Posteriormente intenta retenerla cuando ella quiere volver al convento; le miente diciéndole que ya no podrá ordenarse monja, porque la ha poseído mientras dormía. Esto aleja aún más a Viridiana de su tío, que —tras la marcha de ésta— se suicida. Viridiana, que se siente culpable de la muerte de su tío, renuncia a ser monja y se queda en la mansión a practicar la caridad cristiana, acogiendo a un grupo de vagabundos, a quienes brinda refugio y alimento pero que son, a fin de cuentas, quienes la atacarán y robarán. La llegada de Jorge (Francisco Rabal), hijo natural de don Jaime, cambiará definitivamente el destino de la joven.

Como en toda película personal de Buñuel, el argumento es sólo un pretexto para mostrar ideas que van más allá. En este caso se cuestiona la naturaleza de la beneficencia y se muestra cómo las buenas intenciones no siempre se materializan en un éxito pleno. También se cuestiona el verdadero significado de la fe católica, y los contrastes entre el mundo 'real' y el mundo teórico cristiano.
La decisión de rodar Viridiana en España provocó que Buñuel, exiliado en México tras el fin de la Guerra Civil española, fuese duramente criticado por los republicanos españoles en el exilio.
Un artículo muy hostil publicado en el periódico oficial del Vaticano, L'Osservatore Romano, provocó su inmediata prohibición en España e Italia. El incidente reivindicó la figura de Buñuel ante sus críticos y convirtió a Viridiana en una más de las películas prohibidas de este polémico cineasta.
En una escena, los vagabundos aprovechan la ausencia de los dueños de la casa y hacen una gran comilona y se beben el vino. Luego, después de que el leproso cita la biblia cambiando la letra, se toman una fotografía en donde posan exactamente como Jesús y los doce apóstoles en el cuadro de La última cena, donde el ciego y más desarrapado de los vagabundos, es Jesús.
La censura franquista objetó el final original de la cinta, en el que Viridiana llamaba a la puerta de su primo, él abría y ella entraba, cerrando la puerta detrás de ella. Obediente, Buñuel propuso un final diferente (en donde Jorge, Viridiana y Ramona, la criada, juegan a las cartas, en una muy sutil referencia a un trío sexual) que terminó siendo más pernicioso que el primero y que, irónicamente, fue aceptado por los censores sin reparos.

Proyectarte Cineclub presenta "NAZARIN"

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Martes 14 de septiembre

7.30 pm

TEATRIN INC

S/. 3.00
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Nazarín es una película mexicana de 1959, dirigida por Luis Buñuel, protagonizada por Francisco Rabal, Marga López, Rita Macedo, Jesús Fernández y Ignacio López Tarso en los papeles principales.
Basada en la novela homónima de Benito Pérez Galdós acerca de un sacerdote poco mundano, que es Jesús encarnado en un sacerdote inserto en un barrio popular de Madrid.
Ganadora del Gran premio del Jurado del Festival Internacional de Cine de Cannes, 1959.

ARGUMENTO
El padre Nazario es un sacerdote que ejerce en México, en los primeros años del siglo XX durante el gobierno de Porfirio Díaz. Este personaje expresa lo que los Evangelios dicen que fue Jesús: un hombre libre, comprometido, misericordioso y cercano a la gente. Sus feligreses son los pobres que viven cerca de él. Pero al intentar proteger a una prostituta que ha causado un incendio, tiene que huir, perseguido por la justicia. En su huida, el padre Nazario se replanteará su propia fe, a la vista de los acontecimientos que sufre y de los hechos que conoce.

La película significó la primera y única colaboración de Buñuel con el famoso productor independiente Manuel Barbachano Ponce, quien logró importantes aportaciones al cine mexicano, manteniéndose siempre al margen de la anquilosada industria oficial, la cual comenzaba a presentar serios problemas de burocratismo y cerrazón sindical.
Nazarín contiene varias de las más inquietantes y enigmáticas imágenes de la filmografía buñueliana. El Cristo que ríe, la niña que llora arrastrando una sábana por una calle vacía, el beso que se convierte en mordisco o la mujer entregando una piña al protagonista se han convertido en tema de inumerables discusiones en las que Buñuel, divertido, siempre se negó a participar. "A mí me intrigan tanto como a ustedes" decía. "No hay teorías ni metafísicas en mis películas."

Proyectarte Cineclub presenta "LOS OLVIDADOS"

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Martes 07 de septiembre

7.30 pm

TEATRIN INC

S/. 3.00
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Los olvidados es una película mexicana de 1950 escrita y dirigida por Luis Buñuel, que obtuvo el premio al mejor director en el Festival de Cannes y que ha sido nombrada Memoria del Mundo por la Unesco.
Los olvidados cuenta una historia trágica y realista sobre la vida de unos niños en un barrio marginal de la Ciudad de México.
Esta película es la obra más relevante desde que Buñuel comenzó su etapa mexicana.
La película se sitúa en la línea del neorrealismo italiano, al que Buñuel aporta su toque surrealista.

ARGUMENTO
La historia gira en torno a dos adolescentes corrompidos por el medio en que viven.
El Jaibo, un adolescente, escapa de la correccional y se reúne en el barrio con sus amigos. Junto con Pedro y otro niño, trata de asaltar a Don Carmelo. Días después, el Jaibo mata en presencia de Pedro al muchacho que supuestamente tuvo la culpa de que lo enviaran a la correccional. A partir de este incidente, los destinos de Pedro y de el Jaibo estarán trágicamente unidos.

Los olvidados obtuvo en en 1951 premio a la mejor película en el festival internacional de cine de Cannes, Francia. Arieles otorgados en 1951 a la mejor película, a la dirección, a la co-actuación femenina (Stella Inda), a la actuación infantil (Alfonso Mejía), a la actuación juvenil (Roberto Cobo), a la fotografía, a la adaptación, al argumento original, a la edición, a la escenografía y al sonido (José B. Carles).
Los olvidados es una desértica mirada sobre el mundo que vive una juventud desposeída, cuyas únicas alternativas son la delincuencia y la marginación. Historia que si bien fue contada por Buñuel en 1950, hoy más que nunca continúa teniendo vigencia.

Proyectarte Cineclub Ciclo septiembre: Luis Buñuel (etapa mexicana)

Proyectarte Cineclub presenta "The birds (Los pájaros)"

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Martes 31 de agosto

7.30 pm

TEATRIN INC

S/. 3.00
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Los pájaros es una de las películas más conocidas del director británico Alfred Hitchcock. Está basada en un relato titulado The Birds, de Daphne du Maurier. Fue nominada al Oscar a los mejores efectos especiales. Esta película es diferente de las precedentes por la ausencia de música, que suele servir de instrumento al suspenso Hitchcokiano.

ARGUMENTO
Melanie (Tippi Hedren), una rica y hermosa joven de la alta sociedad de San Francisco, conoce casualmente en una pajarería a un abogado. El es Mitch Brenner (Rod Taylor) y ha ido a comprar un par de periquitos para su hermana Kathy, que acaba de cumplir once años. Mitch, que conoce a Melanie por la prensa, la trata despectivamente y se marcha dejándola rabiosa pero intrigada. Melanie decide encargar unos periquitos y llevarlos a casa del abogado, pero éste se ha marchado el fin de semana a casa de su madre. Melanie decide entonces darle una sopresa llevándole la pareja de periquitos a la ciudad natal de los Brenner, Bodega Bay. Cuando llega al lugar, los pájaros de la zona comienzan a atacar sin razón aparente a los habitantes del lugar. La situación se agravará a medida que avanzan las horas.

Además de las elaboradas escenas de acometidas de los cuervos y gaviotas, lo más destacable de la película es el juego sibilino (siempre huyendo de la cotidianeidad del mundo ordinario) formulado por Hitchcock de intercambiar papeles entre el pájaro enjaulado y el ser humano, del sometimiento animal.

También notoria y efectiva es la espectacular utilización de los efectos sonoros de movimientos de alas y graznidos de pájaros coordinados por Bernard Hermann, en un film carente totalmente de música.

Esta película, junto con “Psicosis”, se puede encuadrar en el género del más puro terror, estilo, por otra parte, poco frecuentado por el director británico.
Pero, esta vez, a diferencia de su anterior trabajo, el miedo vendrá del exterior. Miedo a lo desconocido, a lo incontrolable: al caos.